Los mejores lanzamientos de 2016 según La Destilería Sonora


Han pasado dos años desde la última vez que hicimos un post como éste. El año pasado lamentablemente tuvimos la mala ventura de vivir el cierre de nuestro sitio justo cuando íbamos a hacer el post de lo mejor del 2015. Pues bien, ahora volvimos en una edición especial de fin de año proponiendo nuestros discos favoritos del recién pasado 2016.

Tres miembros del staff de La Destilería Sonora –Grind Hammer, Krimson y Black Mamba– exponen sus diez discos favoritos del año 2016, ofreciendo ideas al respecto, en base a un orden de listas particular en cada uno. Cabe mencionar que hicimos nuestras listas en base a bandas que están publicadas en la pagina, con tal de que ustedes puedan acceder a los discos con mayor facilidad.

Ademas de estas listas, La Destilería Sonora ordenó un compilado de canciones lanzadas el 2016, las que consideramos más destacables: MMXVI (Compilación 2016).

Ten en cuenta que éste es un post basado en la opinión personal de cada administrador, por lo que las listas están sujetas a la subjetividad de cada individuo. Bajo ningún caso queremos que se tomen estas listas como definitivas pues eso carece de sentido. A su vez, llamamos al respeto por la opinión de cada uno de los miembros de La Destilería Sonora e invitamos, igualmente bajo el halo del respeto, a que los lectores ofrezcan sus propios discos destacados del año 2016. La conversación siempre enriquece si se hace con respeto y con bases argumentativas.

¡Feliz 2017 y que disfruten del post!


-GRIND HAMMER-


Desde que inició este milenio, el Thrash Metal, a nivel mundial, ha estado viviendo una etapa de transición: muchos grupos jóvenes se han consolidado en la escena, muchos pioneros han abandonado lo que alguna vez ofrecieron, y muchos más han intentado promover el Thrash jugando con nuevas técnicas, mezcla de géneros y temáticas.
En el año 2016 hemos oído ejemplos que dan testimonio de esta transición: ejemplificaré con el decaimiento de Anthrax con su paupérrimo “For All Kings“, el estancamiento de Megadeth con su buen -pero no excelente- “Dystopia“, y el posicionamiento completo del grupo catalán Crisix con el notable “From Blue to Black“. ¿Suena injusto este contraste? Quizás, a menos que revisemos este breve repaso. Crisix es un grupo que con 8 años (recordemos su inicio como “Crysys”) y tres LPs, ha tomado el mando del Thrash Metal en España -lo siento Angelus Apatrida– y con esto ha superado a los dos pioneros antes mencionados, pues Anthrax y Megadeth, como buenos iniciadores, cuadruplican la edad de Crisix, y a su vez surgieron en un momento donde habían pocos grupos de Thrash en el mundo. Hoy, Crisix toma un control nacional en un medio infestado de bandas. Sí, todos los grupos han tenido éxitos y caídas según larga sea su carrera, más no quita el tremendo mérito en que la banda catalana, un grupo joven y por ello con una competencia abismal de bandas Thrash Metal en el planeta y con millones de discos del género ya existentes, pueda crear, con buena mezcla, un disco fresco, inolvidable y maduro, y encima con ese toque auténtico, ese valiosísimo toque Crisix. Éste, su tercer lanzamiento, evidencia como han ido superándose ¡en muy poco tiempo!; y es que si el 2011, con “The Menance” oímos un Crisix “bueno y nada más”, y luego con “Rise… Then Rest” en 2013, un Crisix que se estaba tomando en serio, tres años más tarde nos ofrecen una joya donde cada músico logró un trabajo sólido y potente a nivel creativo y técnico. No hay crítica negativa aquí.
Este disco es una de las mejores muestras de que lo nuevo y lo viejo no siempre funcionan como antónimos. El sonido de Crisix -como señalé- es único, a pesar de que su música evidencia influencias rápidamente distinguibles, donde las principales son el Crossover y el Hardcore; más, en el LP “From Blue to Black” logran la madurez ideal: mantienen un humor que funciona dentro de lo necesario; dirige la increíble habilidad vocal de Julián Baz quien pasa de los afilados agudos a los potentes guturales sin desvariar, acompañado de la velocidad, y unos blastbeats y breaks que el batero Javi Carrión nunca nos había presentado tan bien logrados, y las virtuosas cuerdas con Albert Requena y Marc Busqué, quienes demuestran que ya no sólo pueden hacer Thrash, sino que destacarían en cualquier género Metal. Como debut, el bajista Dani Ramis no se queda atrás, pues en “Psycho Crisix World” especialmente, se presenta en toda su ley: Crisix es un Thrash vertiginoso, es un festín de calidad técnica y compositiva.
La caratula del álbum nos introduce una temática clásica thrashera y deathera: una explosión nuclear del cual escapan entes de corte lovecraftniano, rodeados de diseños misteriosos, cuales jeroglíficos; una portada de ciencia ficción, que juega como artimaña para atacarnos rápido con un Thrash, que sumado a todo lo dicho, tiene una composición moderna. El orden de los temas en el LP no importa: cada canción tiene su distintivo a un género en particular, ¿lo notan?. “Conspiranoia” -con temática que recuerda grupos como Agent Steel– inicia con un punteo repetido y riffs en caída, lo que nos avisa de frente que se presenta un Speed Metal con la participación de guturales hasta en los coros. “Journey Through the Fire” motiva el Crossover más “alegre”, con humor y coros rápidos. Todo para saltar y pogear. Es, junto a “Strange”, los temas con el sonido Thrash más ochentero del disco. Luego, el track tres “G.G.M. (The Gret Metal Motherfucker)” ofrece una calidad instrumental muy técnica, rápida, y el mejor uso de la voz de Baz (¡Es muy Nuclear Assault!). Del pogo anterior se formó ahora un mosh. Mencionar los constantes cambios es innecesario; ¡en cada canción se rompe la melodía para pasar a otra, de manera brillante!. Siguiendo con esta lista, “T-Terror Era” es sencillamente genial. Es el Thrash más elevado o épico que he escuchado este año. Se diferencia rápido de los demás temas por esa constancia y oscuridad que expela. “Psycho Crisix World” es la diversión del disco, una que te hará cabecear desde que inicia. Ahora ocurre el quiebre más notorio: “From Blue to Black”, tema homónimo, inicia con un toque lleno de maldad, al que se le puede adjudicar un tinte Death Metal. Eso suele sentirse cuando la voz no sigue el ritmo primario de la canción; cuando “va por su lado”. Está tan bien compuesto que asusta. Llegando al final de este genial viaje, “Five as One” nos muestra la esencia de Crisix: Ultra Thrash Metal con un mensaje político claro: libertad de expresión. Esta canción es un colaborativo enorme, donde
participaron grupos como Escuela de Odio, KOP, Angelus Apatrida y Anal Hard, y que está cantado en inglés, euskera, català, galego y español, pues el punto principal es presentarse contra la “Ley mordaza”, una ley española que limita fuertemente la libertad de expresión y atenta contra el derecho a la protesta pacífica. Vale comentar que las letras de denuncia no aparecen sólo en esta canción -presenté las de esta canción al sentirla más significativa- pues el disco está cargado de referencias políticas y sociales, justamente como nuestro Thrash Metal ha sido siempre. Finalmente, Crisix nos regala el tema más largo de su historia: “Fallen”, donde sus siete minutos nos hacen entrar en un multiorgasmo -en serio- de melodías, ritmos multivariables, virtuosismo, y todos los sinónimos que se te ocurran. En serio, es un tema sublime; llega a inspirar y poner la piel de gallina. Todos los músicos se descerebraron en esta canción, porque no puede haber surgido tal joya con poco esfuerzo. Así presentaron un disco que está marcando historia; un experimento en la que cada canción fue trabajada con dedicación y talento, cual resultó un éxito sin precedentes.

DISCOGRAFÍA CRISIX


Como señalé en el comentario de Crisix, muchos grupos han promovido el Thrash jugando con nuevas técnicas, más debo agregar que hay unas que haciendo esto, mantienen su marca de nacimiento. Death Angel, grupo californiano de la Bay Area, ha pasado a una etapa interesante. Para cualquier seguidor del Thrash Metal, la cita con Death Angel parte desde su génesis, con el brillante “The Ultra-Violence“; pero, lamentablemente, por un accidente vehicular vivido en los ’90, la agrupación inició un duro receso que les costó 14 años de su vida. Aprovecho de sumar el argumento dicho arriba, en el que forjar un disco hoy día, en donde ya hay muchas bandas y discos de Thrash, es muy complicado, y hasta fomenta esa idea de que ya nada nuevo increíble saldrá. Esto es lo interesante y el porqué propongo a “The Evil Divide” para esta lista: Death Angel nos ofrece un disco atemporal, probablemente un disco que habría visto la luz durante sus años de receso, si es que éstos no hubiesen ocurrido.
Death Angel no ha tenido una vida fácil, pero a pesar de ello, han logrado mostrarnos como un grupo clásico se adecua, sin perder su esencia, a los tiempos modernos (algo que siguiendo la hipótesis anterior, exhibe este LP como uno que habría sido adelantado a su tiempo). Momento de explicar: el año 2013 nos ofrecieron el increíble “The Dream Calls For Blood“, un disco que nos pateó con su increíble sonido y canciones, las cuales tenían en común el notorio trabajo melódico y la composición algo alejada del Hardcore que alguna vez se sintió. Lo considero como un disco de transición; se estaban preparando para su segundo nacimiento, y esto lo digo porque “The Evil Divide” no tiene relación con “The Ultra-Violence“, pero se sigue escuchando a Death Angel. Éste LP ofrece la mezcla perfecta de lo clásico con lo moderno, y han alcanzado una “nueva madurez”. Es un grupo que logra mostrar dos épocas muy distintas, pero bien trabajadas cada cual por su lado.
The Evil Divide” presenta un sonido que roza el Progressive Thrash Metal, el cual era la evolución a la que iban a llegar desde el “Act III” (1990), con su ya melódico Thrash Metal. Las guitarras serán las protagonistas indiscutidas de este lanzamiento, invocando el virtuosismo en riffs y solos de Rob Cavestany y Ted Aguilar, y la composición de quiebre moderno. Eso sí, los coros y la orientación oscura, sumado a la rasposa voz de Mark Osegueda nos recuerdan un Thrash de finales de los ochenta; ya saben, la inagotable genialidad del vertiente old school. De hecho, ir canción por canción no es tan buen ejercicio, pues mantienen una rigidez, que no lo hace repetitivo, pero nos evidencia una búsqueda de un sonido en particular. Eso sí, destaco el track “Lost”, cual pone en la mesa el lado más tranquilo del LP; una canción lenta y melódica, probablemente la más delicada en la discografia de Death Angel, pero reitero, siempre con esa esencia ochentera.
Por esto mismo, la crítica negativa más evidente será la armonía lineal que mantienen los temas, pero es un gaje que -a juicio mio- nos confirma su buscado tributo al Thrash pionero, y como método para prepararnos para lo que se viene. Somos espectadores del LP más intenso de esta nueva época en Death Angel; vemos como los grandes retoman su trono.

DISCOGRAFÍA DEATH ANGEL


Uno de los subgéneros que más se han popularizado este milenio, pero que a su vez no han sido entendidos en su complejidad, es el Deathcore, el cual como indica la conexión sintáctica en su nombre, es la unión entre Death Metal y Hardcore/Metalcore. Este sonido surge a mitad de la década de los ochenta en Estados Unidos, pero su impacto en Latinoamérica no ocurre sino hasta mediados del año 2000, asunto importante para entender la posición del grupo salvadoreño Virginia Clemm (que como curiosidad, era el nombre de la prima y esposa del afamado escritor Edgar Allan Poe) en esta lista. Virginia Clemm surge en San Salvador el año 2007, época donde el estilo Deathcore empieza a ser reconocido más allá de un puñado de bandas underground; sí, ya existían grupos de este sonido en varios países latinoamericanos, pero no será hasta la segunda mitad del milenio cuando empiecen a ganar terreno como movimiento propio del Metal, pues antes no habían sido vistos como una posible competencia en los géneros que lideraban en nuestro continente: Virginia Clemm es la banda que promete romper esa antigua regla. Este cuarto disco de la agrupación salvadoreña no es sólo la muestra de una evolución potente de la banda en cuanto a musicalidad y frescura, sino que es la nueva piedra que promete hacer tropezar a los críticos que sigan menospreciando al Deathcore; no por nada Virginia Clemm es la primera banda centroamericana en la historia en asistir a uno de los festivales más grandes de Metal existentes: “Wacken Open Air”, en el año 2011, y bien se sabe que las críticas fueron excelentes. El grupo cuenta con letras en español e inglés, y se centran en crítica social, pero también vivencias personales y problemas mundanos: la conducta humana en general, situación que produce cercanía con cualquier interesado que los escuche. Este elemento se suma en “4” propiciando algo importante, pues al decir que es el grupo que está llevando el Deathcore a un plantel de respeto en latinoamérica, no es porque ellos nos recuerden a los clásicos grupos del movimiento nacido en Estados Unidos, sino porque se están forjando una autenticidad continental: no es un grupo haciendo Deathcore estadounidense, es un grupo que posicionó el Deathcore latinoamericano.
Una de las grandes características del Deathcore es que logra matizar de buena manera los ritmos con la velocidad, efecto que si es bien trabajado, como en “4“, el disco en su totalidad no es repetitivo y con ello no aburre; es una muestra del equilibrio instrumental que hubo entre los cuatro integrantes, uno que incluso podría haber sido propiciado por los mismos músicos, pues la caratula del LP exhibe esta idea a través de los cuatro planetas coordinados en su relación con la figura humanoide del centro. La banda ha dicho que sus letras y esencia son más espirituales, más reflexivas e introspectivas en este LP, ¿el cuarteto está tratando de conseguir más terreno? La era de Internet está rompiendo la brecha “países”, y Virginia Clemm está impulsando el Deathcore continental, quebrando el prejuicio de un subgénero no aceptado en su totalidad en el medio del Metal. Reitero: sí, hay muchas bandas que han trabajado con este subgénero, y enhorabuena las celebramos, pero VC es la promesa del género en nuestro lado del globo.

DISCOGRAFÍA VIRGINIA CLEMM


Sé que este puesto sorprenderá a muchos, pero tengo que ser objetivo dentro de lo subjetivo de los gustos. Yo de Rap sé muy poco; recién este año empecé a incursionar en serio (antes sólo conocía unos pocos grupos), por lo que mi opinión es más amateur que en cualquier otro puesto. La advertencia está hecha.
Los Chikos del Maíz, dúo valenciano de Rap combativo con ideología marxista antifascista, nos ofrece “Trap Mirror” (juego con la serie británica “Black Mirror”), un EP de cinco pistas que sigue una línea muy parecida al de su último LP “La Estanquera de Saigón“, por lo que se podría tomar como el cierre real de este disco.
Los Chikos del Maíz son de los primeros grupos con los que simpaticé al iniciar este viaje en el Rap. En su momento, rayé el disco “Pasión de Talibanes” (2011) al nunca haber escuchado algo similar; su habilidad en rimas, las bases sacadas de películas, el humor negro y la cantidad de referencias literarias, fílmicas y más, me hizo moldear un gusto por este género de tal manera, que se convirtieron en características que valoro en demasía en los nuevos grupos de Rap que voy conociendo. Letras con conciencia de denuncia -independiente de la ideología incluso (ya que LCDM se declaran marxistas; postura que personalmente no sigo)- formaron en mi ese carácter de querer escuchar un mensaje bien elaborado y elocuente; que ofrezcan una visión del mundo distinta para -como mínimo- aprender (en contraste al adoptar la idea). Por esto mismo, y considerando que la letra es de los factores más importantes en el Rap, revisar la temática lírica que suelen utilizar LCDM es de suma importancia. Temas como la violencia en la sociedad, la crítica al mundo actual, a la industria disquera, a la monarquía española, a artistas de baja moral; en fin, letras que exhiben una característica muy valiosa en el Rap combativo y en el estilo de vida de esta cultura: el Hip Hop no es negocio, es lucha.
Enfocándonos en “Trap Mirror“, hay que iniciar por el sabor agridulce que nos deja la noticia que lo acompaña, y que sirve para contextualizar su posición en esta lista. Éste EP significa el paro indefinido de actividades en Los Chikoz del Maíz. Como bien señalaron, llevan once años sin parar y ya están cansados y saturados. Necesitan un tiempo para que el grupo respire y estudie, pero no dejarán la música tampoco. En este tiempo aprovecharán de revivir “Riot Propaganda“, un proyecto notable de Rap y Hardcore, formado junto al grupo madrilense Habeas Corpus, que solo cuenta con un LP.
En sólo cinco pistas, la lógica temática que nos elaboraron Los Chikoz del Maíz, nos expone rápidamente la necesidad de “buscar motivos” para continuar la lucha ideológica que defienden (parafraseando cierta entrevista). Ya en el intro “Relato Distópico”, monólogo extraído de “Black Mirror”, se nos explica lo vacía que se ha vuelto la vida actual con tanto aparataje tecnológico; la falsa esencia de la virtualidad (“compramos mierdas que no existen“) y peor aún, nuestra dependencia a ellas.
En los cuatro temas siguientes podemos sentir que han innovado -como grupo claro- pues se respira un sonido más old school, y que es la evidente evolución a lo que vendría desde “La Estanquera de Saigón“; han demostrado su constante crecimiento como artistas. Y hay que hacer hincapié en un tema, la canción “Los Pollos Hermanos”, que sin duda es uno de sus temas más controversiales. El EP mantenía una musicalidad relativamente tranquila, hasta llegar a éste, el track cuatro, donde rápidamente aumenta la potencia y se presentan rimas golpeadas: es un ataque ofensivo como respuesta a la violencia que el grupo ha recibido en diversas ocasiones, que como se sabe, ha ido en varias escalas: desde amenazas de muerte hasta peleas en tocatas. Los Chikoz del Maíz darán una respuesta trabajada, haciendo gala de su creatividad al unir elementos de la serie norteamericana “Breaking Bad” (“Un referente es Walter White/Antisistema/No es por la pasta, es por el ego y hacerlo brillante“) con la imagen de esos “niños de papá, jugando a perro callejero“. Despedirse en silencio no tiene sentido.
Así que la invitación (evidenciando el hacerlo con todos los discos) será escuchar especialmente su último LP “La Estanquera de Saigón“. Luego me dicen si, tras dos años, no han logrado mejorar su habilidad temática y musical, entregando de los mejores cuatro temas que tienen. Eso es algo difícil de lograr y por ello muy respetable; un “hasta luego” muy elegante.

DISCOGRAFÍA LOS CHIKOS DEL MAÍZ


Tengo que iniciar aclarando que la numeración en esta lista es simbólica, ya que no considero el disco de Death Angel -por ejemplo- “mejor” que el de Radiohead. De hecho, todos los discos de mi lista tienen una similitud bajo el canon que usé para seleccionarlos (el cual de a poco se está evidenciando), con lo que, para mí, todos estos discos serían el número uno; todo es cuestión del punto de vista aplicado.
Sobre “A Moon Shaped Pool“, tengo que confesar que se me hizo difícil recomendarlo, pues tuve mucho conflicto cuando lo escuché las primeras veces. Es un trabajo muy particular dentro de la estética Radiohead, más, me llegó la iluminación cuando repasé la discografía completa y comprendí que cada LP de la banda inglesa es un pequeño mundo para ellos y nosotros. Como segunda observación, Radiohead es una banda que tiene un recorrido de más de treinta años y está inserta en la cultura pop, por lo que analizar un disco nuevo de un grupo así, no puede ser visto meramente bajo el ojo de “evolución” musical del grupo; ellos saben el impacto que generan sus creaciones (no por nada hicieron un movimiento de marketing masivo previo al lanzamiento de este LP, desapareciendo por unos días de todo Internet). Es sentido común considerar que una banda, a mayor camino trazado, más intenta abarcar en géneros y temáticas, y Radiohead es conocido por complejizar todo su medio, musical y líricamente, con lo que, sumando el peso de la popularidad e importancia, es menester utilizar otros trabajos de la banda para comprender lo que nos están ofreciendo. Éste, su noveno trabajo, no es un disco para cualquiera: es un disco para fans atentos a todo su material, y no sólo porque el LP trabaja canciones que ya existían en el universo de Radiohead -“Ful Stop”, “Identikit”, “The Numbers”, “Present Tense”, “True Love Waits”- sino porque aquí no hallaremos temas como “Karma Police” o “Creep”, las canciones más conocidas en el medio popular.
Radiohead ha cambiado la fuerte linealidad estética que había ofrecido en su (ahora) penúltimo disco “The King of Limbs” (2011), conformando una creación de carácter minimalista, pues cada canción está elaborada sin recordar el resto de temas que componen el disco, lo que conlleva a que “A Moon Shaped Pool” sea un trabajo heterogéneo, pero que notablemente se ciñe bajo una coherencia anímica. Todos los que escuchamos a Radiohead, entendemos la angustia o el existencialismo musical como elementos vitales en los distintos LPs, pero esto no implica que el sonido del grupo sea repetitivo; la banda ha sabido darle un alma única a cada creación: cada disco de Radiohead es un estilo en sí mismo. Por ello, es evidente que el noveno disco de la banda sea uno atemporal; así como presenté anteriormente al LP “From Blue to Black” de Crisix como la precisa combinación de elementos antiguos del Thrash Metal con los juegos nuevos que implica el Metal moderno, aquí, Radiohead logra tomar el peso de elementos pertinentes -así de amplio- del presente musical y confeccionarlos bajo su acertada lógica; es notable como cada canción utiliza los mismos elementos, pero a su vez suenen tan diferentes.
El concepto transversal de ‘A Moon Shaped Pool‘ es una dicotomía: a veces parece instintivo y otras parece lúcido, y por ello es quizás el trabajo mejor logrado del extraño género de Radiohead, uno donde el Alternative Rock se mezcla con el Electronic, dando protagonismo a los sintetizadores, los que pueden jugar hasta con free jazz. Sus trazas acústicas permiten una atmósfera principalmente funesta, la cual es el único elemento unitivo entre los once temas. Aun así, la recomendación aquí dada, como uno de los grandes discos del año 2016, se principia al ser éste el mayor éxito de Radiohead a la hora de combinar las dos caras de la tradición: retomar elementos de su música pasada y transmutarlas a formas melódicas del presente. Ejemplo de esto es el track nueve, “Present Tense”, cual parece haber sido creada para “In Rainbows” (2007), más, le agregaron unos toques de bossa que llevan a entender la canción con este gaje pasado/presente. Otra canción a tener en cuenta es “Identikit”, ya que el aspecto minimalista se entiende como en ninguna otra creación de Radiohead: lentamente van apareciendo elementos nuevos, arreglos, melodías cortantes, giros musicales… todo un desarrollo que se conecta a la guitarra eléctrica que estuvo presente durante todo el trayecto.
Este trabajo será recordado como el LP del amor y desamor. Es monótono cuando se entiende bajo una temática minimalista, y es variado al provocarte sensaciones por elementos conocidos, pero ordenados de distintas maneras.

DISCOGRAFÍA RADIOHEAD


La banda francesa Gojira es uno de los referentes del Metal moderno más interesantes y complejos: es un grupo fácilmente identificable a nivel musical, pero a su vez, su música es difícil de digerir a primera oída, más, una vez te aplicas, es fácil volverse adicto a tal particular sonido. Naturalmente, no es un grupo para todas las personas; Gojira es para un público abierto de mente en el Metal, uno dispuesto a soportar Death y Groove Metal hilado de experimentación constante (elemento que suele llevar a la etiqueta de “Progressive Death Metal”).
Hoy nos interesa su sexta entrega: “Magma“, un disco que ha sido recibido de manera muy conflictiva, por lo que necesito hacer hincapié en las amplias críticas negativas otorgadas, las cuales se han dado por una oída condicionada por sus otros discos, unos que iban hilando algo que no se continuó en este LP, y que se había casi concretado en su último gran éxito: “L’Enfant sauvage” (2012), y el error recae aquí, en que Gojira nunca ha dejado de ser, primero que todo, un grupo Experimental. “Magma” es una obra de innovación, aunque mantenga el Groove/Death protagonista de su breve carrera. Desde el primer LP, “Terra Incognita” (2001), Gojira ha ido introduciendo de a poco pequeños giros, elementos novedosos, distintas atmósferas, pero todo cubierto por la manta de su toque clásico, un Death Metal disonante, fuerte y reiterativo. Siempre ha sido fácil entrever la base Death en este grupo, junto al enfoque Post Metal, el cual se hila con características de Industrial, Alternative y -como señalé- Progressive Metal. Es una banda que maneja todos estos géneros y subgéneros en un todo orgánico a nivel alma, pero diferenciado disco a disco a nivel cuerpo. El penúltimo trabajo, “L’Enfant sauvage“, fue rico en melodías y pesadez; en “Magma” estos elementos se agudizaron, incorporando una atmósfera nueva, gestada por un descontrolado Groove y voces limpias, elaborando un ambiente apesadumbrado. Eso sí, la crudeza del grupo existe en cada canción, pero con una ligera suavidad, ya que esta vez enfocaron las melodías en un plano mucho más técnico y progresivo, y ésta atmósfera ofrece algo que no había ocurrido hasta ahora en Gojira: “Magma” se puede entender como un disco conceptual en su grado ambiental. Reiterando que dije que todos lo discos de este grupo son diferentes, éste trabajo se consagra como el más dispar de todos, ya que evidenciando la lectura conceptual dicha, en “Magma” se da por primera vez un comienzo extraño para cualquier disco de Gojira, con una canción no punzante, sino una que invita a la reflexión: “The Shooting Star”. Es uno de los temas más tranquilos de todo el bestiario de la banda francesa, y eso que está lleno de Groove con riffs repetitivos como Gojira suele hacer. Mantiene la esencia intacta de la banda, aunque es evidente el intento de reformación estética o experimentación que hubo.
En este trabajo se permitieron experimentar y lo consiguieron de manera brillante, por ello está en esta lista. Cuando tienes uno de los grupos Metal icónicos de la última década, y crean un LP aún más extraño de lo que se esperaba, agrada mucho recomendarlo pues podemos estar vivenciando el surgimiento de un nuevo plantel en la historia del Metal. “Magma” es un disco esencialmente temático, donde cada canción es un componente que tiene que ser escuchado en su orden del disco; es un trabajo imple de escuchar pero difícil de entender.
Si vamos a las fuentes, Joe Duplantier (voz y guitarra) reconoció en una entrevista reciente que la banda ya había tomado la decisión de experimentar con mayor cantidad de voces limpias y disminuir las influencias del Death Metal. Así, en esta oportunidad, el carácter melódico se posicionó, junto a los elementos progresivos como base estructural de cada canción, consiguiendo un material esencialmente atmosférico de tono pesimista, no tan pesado como su música anterior pero manteniendo su original sonido; su marca distintiva.

DISCOGRAFÍA GOJIRA


La preciosa caratula nos vaticina lo que este EP ofrece: una peregrinación a lo oscuro, la cual como viaje místico, se enfocará en su vía unitiva. Primero la presentación: Grave Miasma es una banda de Reino Unido, nacida bajo el nombre de Goat Molestör el año 2002. Su sonido no puede ser otro que el Black/Death Metal más clásico de todos, el asociado con el ocultismo, la oscuridad y la muerte. ¿Por qué hice una presentación aquí? pues porque Grave Miasma es el último escalón del Metal underground, y que de manera interesante, lleva el estandarte de la nueva generación Black/Death moderno. Como agrupación, llevan tan sólo un LP, el genial “Odori Sepulcrorum” (2013), pero el trabajo que nos compete hoy es “Endless Pilgrimage“, un EP, pero que para la crítica (realmente) especializada, este trabajo es un mini-álbum.
Con este disco (para llamarlo de un modo genérico), Grave Miasma nos muestra un Death Metal retorcido, que está elaborado con la musicalidad “Old School”, pero matizado con un aparato moderno. Como esencia antigua, lo primero que notaremos al oír este disco es la melodía melancólica que atraviesa todo sonido. Cuenta con sólo 33 minutos, pero que condensan una brutalidad atmosférica muy apesadumbrada. Otro elemento interesante para recordar al Death clásico, es que la duración de este trabajo es típico en esos trabajos, pero aquí todo está dividido ¡en tan solo cinco pistas!. Aún así no hay que confundirse, no es un grupo con gajes progresistas (como se encontrará en un trabajo más abajo de la lista), aquí el aparato moderno es su primera base, por ello se permiten un tema como “Full Moon Dawn”, el cual en sus casi 9 minutos no pierde la típica esencialidad Death Metal. Tras esto es necesario explicar también que la fuerte atmósfera del disco, nace a raíz de la mera composición de canciones: instrumentos que elaboran una musicalidad que se expande, sin recurrir a sintetizadores o espectros ambientales, pero tampoco rompiendo la armonía con un salvajismo sin sentido. Claro, es un Death Metal crudo, pero cohesionado a la estructura musical básica, la que también se articula en intriga. Por esto Grave Miasma se está posicionando como el líder del resurgimiento del Death Metal clásico, ya que no aplica nuevos recursos como elementos de distinción, sino como medios para conseguir la original muestra de que es Grave Miasma y no Portal, por ejemplo, un grupo con el que se le ha comparado erróneamente en multitud de veces.
Así, la banda inglesa nos concedió la primicia de lo que sin duda alguna, es la llave hacia el resurgimiento de uno de los géneros más importantes del Metal Extremo: “Endless Pilgrimage” es un comunicado hacia algo superior, que está contrastando la esencia primitiva en cuanto a agresividad que ha dominado por un lado el Black contemporáneo, y la tecnicidad que está manejando el Death Metal actual.

DISCOGRAFÍA GRAVE MIASMA


El estilo de música Shoegaze ha sido filtrado por distintos géneros y grupos a lo largo de su trayectoria (surgida en los años ochenta), por lo que buscar una definición completa es un ejercicio sin sentido. El Shoegaze, más que un estilo, es una idea conceptual que ha atravesado muchas aristas tocadas por muchos géneros, como la melancolía, las estructuras en escala baja o la armoniosidad como guía de cada canción, antes que la musicalidad. Por ello, considerando todas las variantes de este sonido, podemos dar con bandas que contrastan fuertemente entre ellas, a pesar de ambas ser Shoegaze, como por ejemplo los irlandeses My Bloody Valentine contra los franceses Alcest. Ésta última, la banda francesa, es la que nos permite, en la música actual, escuchar el sonido Shoegaze más completo pues ofrece identificar los elementos que lo componen fácilmente; eso sí, es un Shoegaze transmutado con Metal.
Alcest es un dúo compuesto por Winterhalter (batería), quien llegó el año 2009, y el fundador Neige, quien inició este importante proyecto en el año 1999. Se podría considerar a Neige el alma de Alcest y del Shoegaze actual, pues tiene las influencias básicas para este género, las cuales Neige toma y fusiona en Alcest; él ha militado en bandas famosas por trabajar conceptos tan diversos como la crudeza (Forgotten Woods), la estética melancolía (Amesoeurs), el tecnicismo (Empyrium) o la armoniosidad (Lantlôs). Quizás por esto, en lo que refiere al Rock y Metal, el grupo más joven ha abrazado al Shoegaze como uno de los movimientos favoritos, pues logra transmitir la frustración típica del mundo moderno, bajo diversas herramientas: desde la crudeza más Blacker, hasta la ligereza más Post-Roquera.
En cuanto a “Kodama“, el nuevo trabajo de Alcest, podemos entender rápido que es de los lanzamientos más importantes del pasado 2016, pues con éste, los líderes del Shoegaze actual volvieron a las andanzas que los llevaron al podio en su momento, ya que de último habían lanzado el disco “Shelter” (2014), el cual fue mal recibido por ser un desapego al Black Metal, género emblema que protagonizó el importante posicionamiento del grupo, del cual toman desde la instrumentación hasta los particulares gritos del vocalista. Para mucha crítica, con este disco el género ya estaba muriendo e iba a quedar obsoleto junto a Alcest. “Kodama” es la manifestación del resurgimiento del grupo francés, y lo lograron creando un disco innovador: mantiene raíces de la banda, como la atmósfera apesadumbrada que motivó al éxito del Shoegaze, pero mezclado con la suavidad más instrumental y melódica del dicho género. Hubo una progresión compositiva, sin usar el viejo método de “retomar raíces” para buscar el apoyo de los fans más acérrimos.
Recordando lo dicho sobre “Shelter” (2014), en el nuevo trabajo volvió la presencia del Black Metal, pero se ha sumado la aplicación de voces limpias, es decir, estamos presenciando la nueva transmutación del Shoegaze bajo la composición de uno de los músicos más acertados para esta compleja tarea. A modo de ejemplo, el LP abre con “Kodama”, un tema homónimo de nueve minutos, en la cual un riff agudo presenta rápido lo que muchos impacientados esperábamos: el Black Metal como eje guía en la composición; incluso de manera secundaria hay una guitarra acústica, la que conlleva una melodía acompañante en vez de principal. Cuando las dos líneas melódicas se fusionan, aparece la voz limpia de Neige que provoca una hermosa atmósfera de nostalgia, sin caer en el salvajismo en su búsqueda: es un Shoegaze puro, prácticamente un Post-Black Metal, es decir, una composición cruda pero que en cuanto a instrumentación, se evidencia más la influencia del Post Rock. Por ello, “Kodama” es el trabajo más completo de Alcest a la hora de estructurar las composiciones e instrumentación.

DISCOGRAFÍA ALCEST


Seré muy breve en esta reseña. Tratar a una banda de la magnitud de Meshuggah escapa de la comprensión clásica que aplicamos a cualquier lanzamiento, pues los suecos no sólo han sido pioneros en el Metal Extremo Experimental, sino que se han mantenido como maestros de prácticamente toda una generación de metaleros, en la que produjeron estilos tan populares como el Djent/Math Metal, con lo que al final del día entendemos que los Meshuggah son amos y profesores de un sonido al que ellos mismos dieron vida.
El LP “The Violent Sleep Of Reason” es su octavo trabajo, uno que nos muestra a los Meshuggah en todo su esplendor al ser este un trabajo identitario, y con ello, el más puro dentro de su complejo sonido. Esto, como muchos advertirán, molestó a gran parte de la crítica: el asunto es complejo, y lo que ocurre es que muchos se quedaron con la marca Experimental con la que Meshuggah cambió el mundo del Metal: hablo concretamente del complejo disco “ObZen” (2008). En esto recae el error para no apreciar un trabajo tan técnico, virtuoso, pero lineal como “The Violent Sleep Of Reason“; ¡despierten!, el grupo ya no necesita hacer obras vanguardistas, pues su experimentación nació como medio de búsqueda para su autenticidad y demostrar la calidad de armas que poseen (lo cual funcionó a la perfección ya que todos sabemos que hablar de los músicos en este proyecto, es hablar de maestros de la altura del Progressive Metal más elaborado); así, el que hayan cambiado al Metal moderno fue, en esencia, un efecto colateral, como también lo fue la lección a la juventud que no tenía un referente que demuestre manejarse en todos los ámbitos importantes del Metal Extremo. Por ello, a pesar de que Meshuggah son los creadores del Math Metal, este sonido se popularizó con los elementos del tecnicismo que vemos en grupos de atmósfera matemática (valga la redundancia) como Periphery o Tesseract, a pesar de que Meshuggah creó el Math Metal bajo una maquinaria de Metal Extremo.
En “The Violent Sleep Of Reason“, los suecos siguen sonando obscuros y versátiles, por lo que si nos atrevemos a criticar algo, sería la línea compositiva que no ha sido alterada: su violencia nos recuerda a “Koloss” (2012) o a “Catch Thirtythree” (2005), pero insisto, ¿qué más esperamos?, son músicos virtuosos dando cátedra como siempre, que técnicamente crearon un compendio de temas brillantes sin la necesidad de romper esquemas; esa tarea ya la han concluido. Meshuggah siempre ha sido una banda adelantada a su tiempo, y aún así en este trabajo se escuchan frescos, y que si desglosamos propiamente la armonía compositiva, podemos evidenciar posibles nuevas vías en lo que respecta al Metal contemporáneo. ¡Son innovadores sin quererlo!.
Finalmente, Meshuggah nos ofrece un trabajo que condensa todas las variantes del Metal actual, sin ahorrar en virtuosismo, pero tampoco pecando del abuso de los elementos de vanguardia: son Meshuggah con el disco más brutal del año 2016.

DISCOGRAFÍA MESHUGGAH


Indudablemente, el 2016 fue el año del Thrash Metal, pero no el de la llamada “vieja escuela” o el Thrash popular promovido por The Big Four (que es famoso por codearse con otro géneros tipo Heavy o Speed Metal); el año recién vivido fue clave en el empoderamiento del Thrash Metal moderno. Ya lo sabemos, la joven banda Crisix tomó el mando en España, y ahora tocaba turno de recomendar a la joven banda Vektor, quienes tomaron la bandera del Thrash moderno a nivel mundial. Con “Terminal Redux” puede que estemos frente a la mejor creación de Thrash Metal de los últimos quince años. Y sí, suena muy arriesgado, incluso broma que dos grupos nacidos en nuestro milenio logren procesar el Thrash clásico, el de los ochenta, y que tras masticarlos y digerirlos, de sus entrañas surja una nueva maquinaria, pero así es. Reitero: “indudablemente, el 2016 fue el año del Thrash Metal”.
Este disco es el tercero de una banda con corta existencia, que no ha sufrido ninguna caída a nivel de crítica musical, lo que da a pensar que Vektor podría mantenerse como líder con los sucesivos lanzamientos, pero ahí entra la noticia que supimos hace poco: David DiSanto (voz y guitarra) queda solo en este envidiable proyecto. No ahondaré en este punto triste, pues quiero mantener la esperanza de que Vektor pueda seguir creando material, pero a modo de precaución, diré poco de este trabajo buscando la curiosidad del lector. Es un disco necesario a escuchar y ya está.
Las diez canciones que conforman “Terminal Redux” surgen bajo una temática conceptual, por una trama de ciencia ficción elaborada por DiSanto: la historia de un astronauta perdido en el universo, que da conocer las diversas aventuras que vive en sus misiones, concluyendo con la funesta pelea contra el imperio de Cygnus. Sí, toda esta creación suena surrealista, más no es algo novedoso; la temática de ciencia ficción ha de ser unos de los tópicos más usados del Thrash Metal “old school”. De aquí entonces, es fácil ver que Vektor utiliza raíces del género que trabaja, pero si pasamos ahora a la musicalidad, caeremos en que es una combinación de elementos progresivos experimentales con Thrash. Cada tema condensa el virtuosismo -que está muy bien aplicado- de los músicos, pero sin perder la oscuridad y rudeza que expelen las creaciones; recuerdo la canción ocho, “Pillars of Sand”, donde tenemos una explosión de instrumentos, en la que la base estructural es neoclásica. Interesante, ¿no? pues eso es lo que ocurre con este trabajo, cada canción está inmersa en su propia originalidad, por lo que hablar de cada canción es sinónimo de hacer una reseña para cada una.
A modo histórico, es evidente que Vektor se consagró con este LP, y no era para menos: sus únicos dos trabajos anteriores habían sido joyas que para muchos -me incluyo- no considerábamos superables. “Terminal Redux” está hecho para los amantes del tecnicismo en el Metal, el cual está escrito sobre un trasfondo lírico que encierra la ciencia ficción y el cosmos. Uno de los puntos más interesantes de este disco es el enfoque de los músicos, quienes juegan cada uno por su lado, sin dejar de sonar en ningún momento, pero consiguiendo gestar una música coherente, pues a pesar de los métodos, esto es un verdadero homenaje a las producciones ochenteras de Thrash Metal. Un sonido orgánico y equilibrado con las evidentes influencias –Death, Coroner, Voivod– trabajadas sin desmentirlas, sin ocultarlas, pues las utilizan bajo su aparato constructivo, exhibiendo que “esto es de tal banda, y nosotros lo tomaremos y hacemos esto otro”. Por esto también, es un disco para gente que conoce de Metal; es un juego de guitarreos, guturales y cambios que no es fácil para procesar a quien no acostumbra la complejidad del Metal Extremo.

DISCOGRAFÍA VEKTOR



-KRIMSON-


En cuanto a Metal Progresivo, Fates Warning sabe cómo hacer bien las cosas. Estos emblemas del Progressive lanzaron Theories of Flight, un disco que apunta al fanático acérrimo de la banda y del género. Es una especie de continuación de su último disco, Darkness in a Different Light, el cual representaba un regreso a las pistas por parte de los estadounidenses. En esta ocasión, la banda se preocupó en pulir su propio estilo, dando cátedra de experiencia en los instrumentos. Es un álbum más melódico, con riffs contundentes y con un Ray Alder cantando con la calidad de siempre.

En estos tiempos en que cada vez mi oído pide sonidos nuevos, el que algo clásico acapare mi atención no ocurre muy a menudo. Theories of Flight es totalmente una pieza de Rock/Metal Progresivo que resalta por sobre los demás, en una escena en donde las bandas más jóvenes proliferan con rapidez y llevan su estilo a distintos rincones, Fates Warning sabe cuál es su camino, y nosotros lo agradecemos.

DISCOGRAFÍA FATES WARNING


Selves We Cannot Forgive es el segundo álbum de la banda estadounidense Black Crown Initiate. Ya desde el 2012 que les vengo siguiendo los pasos. En ese entonces mostraba sus aptitudes con su EP “Song of the Crippled Bull“, el cual me fascinó por su tremenda calidad pese a que eran una banda novata. En el 2014 lanzaron “The Wreckage of Stars“, el que sorprendería gratamente a quienes esperaban la continuación de su trabajo. Pero sería en este último disco en donde podría escuchar la total evolución de esta banda.

Este trabajo está dominado por elementos progresivos y técnicos, así como también la marcada influencia obtenida del Death Metal. Se puede sentir una fuerte influencia de Opeth en muchas de sus composiciones, no solo en el estilo, sino que también en la actitud que tienen ante la incorporación de elementos melódicos y melancólicos. Es posible sentir el ambiente un tanto abstracto que la banda busco crear, lo que se combina perfectamente con letras que hablan de la introspección y lo existencial.

Black Crown Initiate tiene un potencial enorme y me alegra saber que es una banda que recién está comenzando. Estoy seguro que en el futuro nos sorprenderán con su evolución, así que coloquen oído a lo que se viene.

DISCOGRAFÍA BLACK CROWN INITIATE


My Woman es el tercer LP de la estadounidense Angel Olsen. Previamente ya había probado sus capacidades compositoras en discos como “Half Way Home” y por sobre todo en “Burn Your Fire for No Witness“. Estos dos discos habían tenido un sonido mucho más cercano al folk, siendo el elemento lo-fi una constante. Al parecer Angel decidió dar un giro en su estilo, pero sin dejar de ser fiel a las temáticas y calidad de sus composiciones.

El sonido ésta vez pasa por un Pop/Rock lo-fi muy bien producido, notándose la preocupación por el detalle técnico en este nuevo disco. Si bien My Woman no es un disco que coloque nuevas cosas sobre la mesa, es una obra que sirve como punto de inflexión dentro de la carrera de Olsen. No solo es un disco divertido de escuchar, sino que está lleno de detalles simples que junto a sus letras introspectivas y arreglos muy bien armados, le hacen ser uno de los puntos fuertes de la escena Indie Folk/Rock en estos momentos.

DISCOGRAFÍA ANGEL OLSEN


Cuando se habla de Dan Swanö, no hay por donde perderse. El sueco sabe hacer las cosas bien y así lo demuestra en “The Northern Sanctuary“. Este proyecto nació en 2009 siendo su primer disco “The Inheritance” lanzado en 2013, el que fue muy bien recibido por la crítica.

En esta ocasión, Swanö supo crear un disco con una dirección un tanto diferente en comparación a su trabajo anterior. Si bien “The Inheritance” fue un muy buen debut, es en “The Northern Sanctuary” en donde se pule cualquier error cometido en el pasado. Su estilo mutó a uno más cercano al Melodic Death Metal, pero aun con tintes progresivos. Un disco con excelentes riffs por parte de Ragnar Widerberg, que se complementa con la voz de Swanö, el que utiliza growls y voces limpias con gran calidad.

Witherscape se alza nuevamente como uno de los proyectos más interesantes y quizás se posicione como uno de mis favoritos por parte de Swanö junto a su otro proyecto, Nightingale.

DISCOGRAFÍA WHITERSCAPE


En septiembre de 2016 nos enteramos de una amarga noticia para los seguidores de The Dillinger Escape Plan, tras 19 años, la banda se separa definitivamente. Dejando de lado cualquier posibilidad de un regreso, los estadounidenses cesarán su actividad como grupo por completo una vez acaben con su tour de apoyo a su nuevo lanzamiento, Dissociation.

Éste último álbum, no solo deja huérfanos a sus seguidores, sino que también nos deja llenos de impotencia y a la misma vez, de asombro. Dissociation es una montaña rusa con todas sus letras. Fácilmente la banda puede pasar de tocar un fulminante Hardcore a unos pasajes melódicos, para después pasar a pasajes técnicos con precisión quirúrgica. Caótico, potente, energético, melódico, complejo y ecléctico, por sobre todo ecléctico, son algunos adjetivos con los que se puede describir, no solo este disco, sino que de toda su carrera.

Dissociation quedara en la retina auditiva de todo aquel seguidor de la banda. Totalmente un disco difícil de olvidar pero fácilmente un trabajo que debe ser considerado uno de los puntos altos dentro de la discografía de The Dillinger Escape Plan.

DISCOGRAFÍA THE DILLINGER ESCAPE PLAN


Desde Suiza, Schammasch se alza con un disco que desborda ambición. Debo admitir que no conocía mucho de esta banda. Había visto su nombre en diferentes lugares, mas nunca decidí oír alguno de sus trabajos. Pues bien, Triangle fue para mí el álbum introductorio a esta banda, llevándome una muy grata sorpresa.

Los suizos crearon una hora y cuarenta minutos de música de primer corte. Si bien podríamos llamar Black Metal lo que tocan, lo cierto es que es mucho más complejo y menos generalizado que aquella clasificación. En Triangle, la oscuridad es predominante durante todo el transcurso del álbum, siendo constante el sonido Ambient, Avant-Garde e incluso Progresivo en sus composiciones. Las tres partes pueden sostenerse por sí solas, pero es el disco completo lo que hace que este disco se transforme en una de los trabajos más interesantes que entregue el 2016.

Un álbum que pone a prueba la paciencia ya que la duración del disco es algo que puede intimidar, pero que sin dudas nos recompensa con creces.

DISCOGRAFÍA SCHAMMASCH


El hecho de lanzar álbumes de calidad como si nada, me hace pensar de que sin dudas, esta es una de las bandas más infravaloradas que ha existido. Lo cierto es que Swans no es para todo tipo de público, por lo que puedo entender el porqué de su omisión en muchas listas de revistas y portales.

The Glowing Man es la obra culmine de una trilogía de trabajos que después de The Seer (2012) y To Be Kind (2014) viene a concluir una seguidilla de lanzamientos increíbles. Si bien éste disco no lo consideraría como mejor que los otros dos, si considero que es un cierre perfecto, a la altura de la trilogía y siendo fiel a un estilo impuesto por ellos mismos. Ahora solo queda esperar lo que la banda nos entregara en su nueva etapa creativa y como nos sorprenderán nuevamente, aunque siendo Swans no debe ser muy difícil de lograrlo.

DISCOGRAFÍA SWANS


Como se habrán dado cuenta, mi lista está dominada por el lado más progresivo. Pues bien, la incorporación de Haken no debería ser una sorpresa. Los británicos se han posicionado en lo alto del Progressive Rock/Metal por una muy buena razón, su consistencia, y en 2016 volvieron a probar esta teoría.

Affinity es el quinto trabajo discográfico de los ingleses. En este LP, Haken despliega su calidad artística, no solo en lo instrumental, sino que en lo vocal y en la composición. La producción es excelente, una prueba de ello es la canción “1985” que sabe jugar con un sonido más “vintage” pero que se mezcla a la perfección con elementos modernos. “The Architect” es otro ejemplo perfecto para corroborar el tremendo nivel de composición, con una duración de casi 16 minutos de puro Rock/Metal Progresivo de la más alta calidad.

Nuevamente Haken prueba porque se les considera uno de las bandas más importantes en la escena progresiva y creo que si continúan así, probablemente lo sigan siendo por mucho tiempo más.

DISCOGRAFÍA HAKEN


No siendo un gran conocedor del género, puedo identificar un buen disco de Thrash cuando lo escucho. Vektor lanzó Terminal Redux tras cinco años de sequía. Mucho hype, pero muchas dudas al mismo tiempo se hacía sentir ante la espera de este disco, y es que no es fácil para una banda relativamente joven, lanzar algo que tenga la misma calidad que discos como “Outer Isolation” y “Black Future“. Pues bien, las dudas se disiparon rápidamente después del lanzamiento de Terminal Redux.

Vektor aporta a este disco todo lo que me gusta del Thrash Metal. Rapidez, melodía, contundencia, potencia, calma y caos. Como si se tratara de una banda con más de veinte años de experiencia, Vektor se desenvuelve con tal comodidad que hacen olvidar que pertenecen a una camada totalmente diferente a la “vieja escuela”. Un sonido que fielmente sigue refrescando un género lleno de leyendas y de bandas que quieren posicionarse en lo alto del Trash, Vektor es totalmente una de ellas.

DISCOGRAFÍA VEKTOR


Escuché este disco antes del fallecimiento del Duque Blanco, teniendo una predisposición diferente a la que tendría más tarde. Para resumir y dejar de lado toda palabrería, éste disco es excelente. Pese a que muchos podemos caer en el sentimentalismo después de perder un icono y leyenda de la música, lo cierto es que sin importar la predisposición que yo tuviera, de igual manera iba a encontrar este disco una de las mejores obras que Bowie ha creado. Es impresionante ver como alguien que tenía una carrera como la de él, pueda tener las energías y la calidad para seguir creando pese a que sus fanáticos se daban por pagado por la que ya había hecho.

Es difícil para un fanático como yo elegir otro álbum para la cima de esta lista. Por sus melodías, clase, significado y legado, para mí, Blackstar es el mejor trabajo lanzado en 2016.

DISCOGRAFÍA DAVID BOWIE



  -BLACK MAMBA-


Si bien el proyecto Georg Börner es conocido por sus primeros trabajos, este año me sorprendió de nueva cuenta con Autumn (Otoño) por que si bien Melancholie² y The Stars Are Dead Now son dos obras maestras Autumn no se queda opacada antes sus antecesores.

Este año nos trajo una producción mucho mas cuidada y limpia, aunque muchos critiquen la mejora en la calidad del disco y argumentan que arruina el sonido característico del Black Metal, en este caso mas bien es un punto a favor, ya que podemos apreciar de mejor manera cada uno de los instrumentos presentados en el álbum (recomiendo escucharlo con auriculares). Autumn al igual que su disco antecesor llega al punto de la perfección, cada pista fue creada meticulosamente por GB puliendo hasta el mínimo detalle para poder presentarnos una joya musical. Aunque a diferencia de Melancholie² el álbum es mucho mas emocional, melódico y hasta podría decir gótico, con una mayor presencia de voz limpia, un claro ejemplo es “Autumn Shades” Pero no deja del todo sus raíces, Lo extremo, crudo, melancólico y agonizante siguen presentes en sus composiciones.

Ocho años transcurrieron para que GB nos presentará su segundo trabajo y a pesar del paso del tiempo su creatividad e ingenio siguen intactos, Canciones como “Scar“, “Womb Of Emptiness” “The Wind And The Leaves” y “Climax Of Sorrow” robaron mi atención desde el comienzo y es que la mezcla que realiza entre el Black Atmosférico y Depresivo es impresionante. ColdWorld en estos ochos años fue madurando su sonido implementando nuevas propuestas, ideas y conceptos sin necesidad de retirar otras.

Georg Börner es un escritor, compositor y músico increíble es un punto que no se puede discutir, sino que la pregunta aquí es ¿Su próximo lanzamiento sera dentro de ocho años? y es que con dos Lp de tan alto calibre, sin duda la espera para su próximo trabajo será cada vez mas y mas desesperante.

DISCOGRAFÍA COLDWORLD


¿Como podría describir la música de Forndom? ¿Dark Folk? ¿Dark Ambient? ¿Ambient Ritual? ¿Nordic Folk? ¿O simplemente Folk? hasta el día de hoy todavía no encuentro una manera de describir de manera perfecta en que géneros se desenvuelve este proyecto.

Dauðra Dura (Doors of Death) es un álbum que me fascino de principio a fin, y es que no hay necesidad de utilizar instrumentos conocidos para dar un sonido “metalero-rockero” para que un álbum sea bueno… no el concepto del álbum es totalmente acústico, nada de riffs nada de blast beats nada de guturales, H.L.H. Swärd solo necesitó de instrumentos tradicionales y coros excepcionales para convencerme del enorme potencial y talento que posee.

Y es que con temas como “Nio Nätters Led“, “Den Grymma Hästen” y “Resan” primeras tres canciones del álbum, eran hipnotizantes tanto que me daba el lujo de repetirlas y siempre encontraba algo nuevo que me atrapaba, era como ser transportado hacia la península escandinava y reaparecer en un bote en un viaje sin rumbo pero de tal manera que se podría percibir una tranquilidad, armonía y paz que me pregunte ¿Realmente importa donde termine este viaje? ¿Cual será el fin de este intrigado viajero que fue capturado por fascinantes melodías? Una travesía infinita encerrada en 13 minutos. Para después continuar con “När Gudarna Kalla” que representa claramente un himno de guerra vikingo, con los cánticos, violines y tambores crea un tipo de ambiente hostil que me resulta impresionante.

No todos los músicos pueden conseguir lo que Señor Swärd logró con este LP, captar la esencia de la atmósfera nórdica con melodías simples y potentes algo que me encanta hasta los huesos, y es que no hay necesidad de crear grandes composiciones con un nivel de complejidad de proporciones mitológicas para llamar la atención del publico… y con todo lo mencionado anteriormente les recuerdo que solo es la mitad del álbum, curioso, ¿no?.

DISCOGRAFÍA FORNDOM


Mesarthim es un proyecto australiano que desde el principio capto mi atención por su particular sonido, que en solo dos años han lanzado una cantidad considerable de discos y contando con que este 2016 han lanzado un total de seis trabajos entre álbumes, Ep’s y Singles. Cada uno de ellos son increíbles llevándome a un conflicto interno sobre cual debería entrar a este listado para finalmente optar por Pillars. El dúo ya con un álbum tras sus espaldas se lanzaban una vez mas para cautivar a sus seguidores y captar la atención de algunos interesados.

Pillars es posiblemente (En mi opinión) junto a Insolate.- -… … . -. -.- los mejores trabajos que estos muchachos han producido, con un sonido bastante sencillo pero con destellos de tecnicismo. Su base es el Black Metal pero a todo esto se añaden elementos de otros géneros como el Post-Rock y el Trance y he aquí donde entra la controversia, porque en cada producción de estos chicos se utilizan sintetizadores siendo este un punto bastante criticado por la comunidad metalera, pero a pesar de todo con Pillars logran captar de manera excepcional la insensibilidad y frialdad del espacio, entrando en los horrores que nos trae el no saber que puede estar mas allá de nuestros ojos.

Eso si a diferencia de trabajos como Insolate.- -… … . -. -.-The Great Filter, Pillars muestra un sonido mas suavizado, mas “Light” por así decirlo predominando los sintetizadores, esto con lleva a una des-aceleración en las canciones ganando cierta pesadez y desesperación a sus composiciones, aunque esto no es algo nuevo dentro  del Black Metal es bueno mencionarlo. En este caso las voces quedan  relegadas para dar paso a un disco con un enfoque mas al Ambient, creando una atmósfera mucho mas abrumadora, pero llena de delicadeza y tristeza. Mesarthim nos muestra algo totalmente nuevo y refrescante dentro de la escena del Atmospheric Black y también dentro de la escena del Metal Negro, Pillars nos ofrece una experiencia auditiva mas que fascinante y absorbente.

DISCOGRAFÍA MESARTHIM


Corría el año 2006 cuando una banda formada por el ex-integrante de Within Temptation Martijn Westerholt llamada Delain lanzada su primer LP “Lucidity”, ahora diez años después y con una gran fanaticada y reconocimiento internacional nos presentaron Moonbathers celebrando el aniversario de aquel álbum con el cual inicio su exitosa carrera.

Aunque antes de su lanzamiento ya nos habían regalado una pequeña muestra con algunas canciones con su EP “Lunar Prelude” pero no fue sino hasta el 26 de Agosto cuando nos presentan su trabajo final del cual tuve una grata impresión, el álbum se centra en el poderío de la voz de Charlotte Wessels y y que voz señores, siendo acompañado por riffs algo simples tengo que decir, pero bien logrados, la batería no se queda atrás y es que Ruben Israël hizo un buen trabajo en las 11 piezas en las que se compone el disco, ademas de la voz de Charlotte el otro protagonista Martijn nos deleito con sus habilidades en el teclado. Esta vez los miembros nos regalaron composiciones épicas y poderosas pero a la vez nos sorprendieron con un estilo mas suavizado y pegajoso algo mas cercano al Hard Rock y Melodic Rock, tengo que mencionar que en ciertas canciones me recordaron a Alyson Avenue ¿Recuerdan? aquella agrupación en la que participo Anette Olzon antes de integrarse a Nightwish.

Pues bien el álbum es muy bueno, sin duda las primeras canciones como Hands Of God que tuvo la participación de la vocalista de Arch Enemy Alissa White-Gluz o Suckerpunch son mis favoritas del álbum, Esta vez pude apreciar la evolución musical de la banda, con un sonido diverso e intrépido , Moonbathers nos expone la creatividad musical de la banda, creatividad que no tiene limites y que nos sorprende cada vez mas con cada lanzamiento consolidando aun mas su legado.

DISCOGRAFÍA DELAIN


Corría el año de 2009 cuando Juha Raivio miembro de Swallow the Sun se unió con Aleah para una colaboración de álbum New Moon luego de ello la colaboración culmino con un nuevo proyecto titulado Trees Of Eternity, ese mismo año se presento un demo “Black Ocean” donde demostraron la creatividad de ambos en cuatro extraordinarias canciones.

Después de siete años de ausencia, nos deleitaron con su primer trabajo de larga duración titulado “Hour Of The Nightingale” donde re-grabaron sus anteriores canciones, este álbum mantiene la misma linea que el demo antes mencionado siempre con una notable influencia de Swallow the Sun. Esta vez su sonido esta fuertemente influenciado por el Gothic Rock, con leves tintes sinfónicos y melódicos, concentrándose en las baladas y porciones ambientales, junto a ello la perfecta equivalencia entre la guitarra eléctrica y acústica bien logrado por parte de Juha y Fredrik Norrman uno de los nuevos miembros, ademas de Kai Hahto añadió un poco de complejidad con su participación en los tambores, por esto y el uso de los sintetizadores ayudaron a diferenciar levemente entre este álbum con su anterior trabajo, solo que en este caso el álbum esta enfocado en exaltar la brillante voz de Aleah.

Aleah que nos deleito por ultima vez con su increíble y majestuosa voz y es que con su voz añade mas melancolía y delicadeza a cada una de las canciones presentadas. Este disco reboza de tristeza ya que es antes de su lanzamiento ella falleció a causa del cáncer, dando mil un razones para volver a escuchar tal pieza musical, pero gracias a Juha la voz de Aleah quedara inmortalizada con este fascinante disco.

DISCOGRAFÍA TREES OF ETERNITY


Pasaron cuatro largos años para poder escuchar otra producción de The Locos y como siempre no viene nada mal una dosis de un adrenalina, letras protestantes y sobre todo Ska. Para este disco Pipi viejo conocido por ser segunda voz y Showman de la mítica banda española Ska-P nos trae un disco lleno emoción que te harán bailar y a la vez gritar a todo pulmón las letras de cada una de las canciones presentadas. Para este disco se incorporo Kosta Vázquez que dejo su marca en el disco.

Sin duda son cuatro años de diferencia desde su antecesor Tiempos Difíciles pero ahora con Todos Distintos, Todos Iguales nos vuelven a regalar otro buen disco de una trilogía de Ep’s que la agrupación lanzará próximamente, vale la pena mencionar que ya son 10 años desde la salida de Jaula de Grillos su primer trabajo. Solo 3 canciones comenzando por La Realidad que gira en torno a la vida oprimida, vacía y enjaulada por la soledad, pero ala vez con el primicia de la Reivindicación siguiéndole Mariaisabela con una contundente critica sobre el régimen dictatorial que forjo una señora a base de creencias absurdas y sangre ajena durante muchos años, en este caso no conozco a fondo la situación que atravesaron los españoles y a la vez ahora entiendo como muchos reniegan de su país y repudian su bandera porque a pesar del paso de los años, la democracia y la represión y sobre todo el franquismo se mantienen hasta el día de hoy en la mente de muchos españoles.

Y de ultimo y mi canción favorita del álbum Hueso y Piel bajo un ritmo mucho mas veloz que nos tienen acostumbrados siendo este mas orientado hacia un ritmo mas agresivo y frenético, con la notable intervención de señor Vásquez en la guitarra, crea la perfecta combinación entre el Ska y Punk Melódico “La indiferencia será nuestra tumba” sin duda una de las frases mas contundentes de este nuevo lanzamiento. En términos generales el álbum es bueno es una fiesta musical de principio a fin, lo único “malo” es su duración ya que solo son tres canciones que juntas hacen un total de 10 minutos ¿bastante corto no?, solo nos queda esperar la salida de los dos trabajos restantes.

DISCOGRAFÍA THE LOCOS


Tengo que admitir que no tengo mucho tiempo de escuchar a The Casualties, me recuerdo que sus primeros trabajos me impresionaron y me interese de sobremanera en su discografia, pero por extraño que parezca entre estudios y contratiempos personales los perdí de vista, para sorprenderme con un nuevo lanzamiento que… sin pensarlo dos veces dije: “Joder tío, tengo que escucharlo” y he aquí querido publico de la Destilería, el resultado fue alabe dicho lanzamiento de principio a fin.

Para los que desconocen a dicha agrupación The Casualties lleva mas de 30 años rompiendo oídos y desatando su furia en cada uno de sus álbumes, este año nos presenta un álbum impregnado de adrenalina a mas no poder, con riffs desenfrenados y muy bien logrados, con coros excepcionales influenciados por Oi! y una batería impregnada de energía que hace explotar tu cabeza.

A pesar de la calidad de esta producción, su sonido es crudo y bastante sucio pero pegadizo, tal vez sea por que el talento de estos oriundos de New York aun no toca fondo y siguen creciendo musicalmente así que como se renuevan para dar esa sensación refrescante en cada nuevo lanzamiento. Ni hablar de el trabajo realizado Jorge Herrera con su increíble voz áspera y su particular acento, le han dado su firma a The Casualties durante todos estos años.  (Jorge nació en Ecuador pero se crió en Estados Unidos).  Chaos Sound, Brothers and Sisters, Murder Us All, In The Lost City y R.A.M.O.N.E.S. son mis canciones preferidas.

Este disco te inyecta adrenalina a tus venas, un disco que te hará explotar la cabeza, aunque con el paso de los años no se convierta en uno de sus trabajos mas entrañables es un disco recomendable y se que su base de fanáticos de seguro lo adoraron, ademas que es una buena opción para aquellos interesados en adentrarse y conocer a este mítica banda.

DISCOGRAFÍA THE CASUALTIES


Para continuar con lo “mas destacado” del 2016 continuamos con una agrupación que en un principio con su primer lanzamiento no terminaron de convencerme pero ese pensamiento se esfumo de inmediato con su segundo LP titulado Extermination Plan. Un disco increíble y fenomenal.

Son ocho pistas que te destrozan la cabeza minuto a minuto, Con un sonido brutal y desenfrenado que refleja la influencia de la vieja escuela combinados con pasajes progresivos y melódicos, riffs llevados a un limite sobrehumano, un bajo extraordinario y ni hablar de los brutal que suena la batería (agradecimientos a Ryan Donato) que es lo que mas adore del disco sin duda. Pero con todo esto un buen disco de Thrash no puede ser simplemente bueno por el talento que demuestran cada uno de los músicos si la voz no complementa ese talento. La voz de Ryan Taylor les cayo como anillo al dedo, una voz áspera y violenta que si la escuchas detenidamente ¿no te recuerda a cierto vocalista chileno de cierta banda estadounidense? ¿Tom Araya? ¿No? bueno.

Como mencione anteriormente el disco es fenomenal, la portada del disco excepcional, producción magnifica, me encanta en particular como su estilo musical esta entre la vieja escuela y la nueva, me atrevo a mencionar bandas como Slayer o Gammacide del movimiento Old School y Havok para la nueva. Aunque el álbum carezca de Innovación dentro del género es un buena propuesta para los fieles amantes del Thrash, paso a paso, canción tras canción, la agrupación sigue mereciendo el apodo de Demolition Hammer Jr.

DISCOGRAFÍA CONDITION CRITICAL


Tamoanchan es una proyecto en solitario de Dámaso Salazar que inicio en el año de 2015 presentando su primera producción este mismo año. El Señor Salazar ya tiene experiencia dentro de la escena Doom ya que es miembro de la banda Camaxtli Yoxippa.

Primeramente la portada del disco en mi opinión esta bien trabajada un poco extraña y hasta un poco bizarra diría yo, pero capto mi atención cuando vi particular portada la primera vez, descubriendo un proyecto mexicano bastante interesante, Ensoñaciones primera canción del álbum con su magnifica introducción nos da una idea de lo sombrío y desgarrador que puede llegar a ser el disco, Con un Doom fuertemente influenciado por el Stoner ademas de Psycedelic Rock llegando a jugar entre los géneros en distintas canciones. resaltar la inclusión de elementos épicos, melódicos y atmosféricos en diferentes pasajes del disco, su lírica esta basada en la cultura azteca u/0 maya ademas en sus creencias religiosas, siento esto un punto de inflexión en el proyecto ya son escasos los que llegan a tocar estos temas y combinarlos con excelente Doom Metal.

Los instrumentos folclóricos entran en los momentos justos, en ningún momento se siente forzado su intromisión en las canciones, resaltar el trabajo realizado en las guitarras, que sin duda es uno de los puntos fuerte del álbum, la producción es buena aunque el sonido se escuche sucio este le da un toque al trabajo, ademas del eco apreciado hacer resaltar los tambores y coros.

A tintes generales el álbum es muy bueno lo disfruto de principio a fin y se que el proyecto tiene potencial, se que es su primer trabajo pero se que el Señor Salazar puede hacer algo grande, es solo cuestión de madurar un poco mas su sonido, tal vez añadir un poco mas de complejidad a sus composiciones y tener una producción mas limpia para poder apreciar de mejor manera todos los instrumentos presentados, espero que su próximo trabajo logre superar mis expectativas.

DISCOGRAFÍA TAMOANCHAN


Hablar de C4 es hablar de Luis Alfa, Conocido internacionalmente por ser el vocalista de Resistencia Suburbana hasta el 2012. Este año nos presentaron su álbum debut que a decir verdad me sorprendió gratamente, Desde el principio nos dejan caer sobre nuestros oídos los tajantes pensamientos de Luis, 47 minutos intensos que plasman la idea de usar la música como denuncia.

Su estilo confrontativo dejar ver lo erróneo de la Sociedad con temas como “Hipocresía” que muestra la realidad e irónica vida de empresario corrupto a un comandante revolucionario que deja todos sus ideales por una plaza en el gobierno, pero a la vez clama a todo pulmón las injusticias sobre los infantes alrededor del globo “Niños Sin Luz“, arremete contra la religión, la censura en los medios y se opone a caer antes todas las adversidades que se le presenten “Nunca Me Veras Caer“, todo esto junto a una mezcla del Reggae y Rock que son ya una firma para todas sus composiciones.

Fueron cuatro años en donde la agrupación se gano el reconocimiento por las múltiples giras y una gran base de seguidores, cada uno expectante para poder escuchar el producto final de Luis, que resulto ser un disco explosivo, realista y contundente. De todas sus composiciones mis favoritas son Hipocresía, El precio de mi verdad, Nunca seré tu esclavo, y Niños sin Luz. Si algunas vez escuchaste a Resistencia Suburbana y ahora escuchas a C4 conocerás una nueva faceta de señor alfa, con un sonido “relativamente distinto” a su proyecto predecesor nos regala un debut majestuoso pero a la vez crudo y directo al grano… La Reivindicación del Reggae Combativo.

DISCOGRAFÍA C4



LA DESTILERÍA SONORA

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8 thoughts on “Los mejores lanzamientos de 2016 según La Destilería Sonora

  1. Lei todo , muy interesante buena lista , y 99% de concordancia con ustedes , salvo en que el “For All Kings! de Anthrax sea un decaimiento , a mi me encanto y me parece de lo mejor desde su época dorada , cuestión de gustos , les mando saludos !

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